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QUE NO ES SOLO PARA NIÑOS

UN REPASO A LAS PELÍCULAS MÁS RECORDADAS DEL STUDIO GHIBLI

Por Angela Arce Gamarra

Pronto se estrenará en Estados Unidos la nueva película de Ghibli, La historia de la princesa Kaguya, que cuenta la vida de una princesa diminuta y los obstáculos que tiene al no querer casarse con sus pretendientes. ¿Cómo? ¿No que estaban por cerrar el estudio? Pues no. Mientras los jefes andaban que sí, que no, que nunca se deciden si es el fin, el resto de trabajadores terminaron la cinta. Si no estás familiarizado con las películas del estudio Ghibli, ni con ese genio con alma de niño llamado Hayao Miyazaki —fundador de la productora y próximo a recibir el Oscar Honorífico—, aquí hemos armado una lista de las infaltables de este director, que no solamente son consideradas obras de arte visual y narrativo, sino musical, pues sus bandas sonoras también son espectaculares. Cada filme de este estudio, largo o corto, es una experiencia. Y no te dejes engañar, así sean animaciones, no se trata de películas exclusivamente para niños. Para Miyazaki, siempre habrá posibilidades perdidas en las películas con humanos, mientras que en la animación no hay límites. Te recomendamos que las veas subtituladas para que sientas la intención original de las voces, ya que al fin y al cabo son personajes japoneses.

EL AMIGO IMAGINARIO QUE VALE LA PENA CONSERVAR (Mi vecino Totoro, 1988)

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Satsuki y su hermana menor, Mei, se han mudado, junto a su padre, a las afueras de una ciudad japonesa para poder estar más cerca del hospital donde está internada su madre. Una vez instalados en la nueva casa, descubren que hay criaturas mágicas viviendo cerca. Así, inician una amistad con Totoro, un espíritu cuya forma recuerda a la de un oso mezclado con un búho. Con una sencilla historia que aborda temas familiares corrientes, Mi vecino Totoro es la película que volvió a Hayao Miyazaki un director reconocido internacionalmente. Algunos críticos la consideraron muy azucarada, pero olvidaron que, a pesar de tener colores cálidos y a dos niñas como protagonistas, el tema de la muerte es una constante flotando y camuflándose a lo largo de la historia. Incluso existen grupos de fanáticos que aseguran que Totoro es, en realidad, el dios de la muerte y que ambas hermanas se encuentran con él justamente porque han fallecido; sin embargo, estos seguidores extremos olvidan que Totoro no es ningún personaje característico de la mitología japonesa, sino una creación de Miyazaki. Su banda sonora, compuesta por Joe Hisaishi, es inolvidable.

UNA HEROÍNA POCO TRADICIONAL (El viaje de Chihiro, 2001)

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Aclamada por la crítica internacional, cuenta la historia de una niña de diez años que entra al mundo de los espíritus y que, tras ver cómo sus padres se vuelven cerdos —literalmente— por comer sin control, debe encontrar una manera de liberarse para poder regresar al mundo humano. Para esto, y gracias a otros personajes, Chihiro, la protagonista, consigue un trabajo en el sauna de la bruja Yubaba, quien hará hasta lo imposible para que a esta niña le sea más difícil volver. Es una película sobre la identidad, sobre la transición de niña a adulta y sobre la valentía. Miyazaki decidió que no se trataría de la típica historia adolescente de amor que se leen en los shojo, pues, para él, había mucho más dentro del corazón de las jovencitas. Creó una pequeña heroína fuerte y no tan bella para que sea el modelo a seguir de todas las niñas. Además, tuvo que reducir la trama porque se dio cuenta de que todo lo que quería plasmar duraría más de tres horas. Tras su estreno, se volvió la película japonesa más exitosa de la historia. Además, ganó el Oscar a Mejor Película Animada y el Oso de Berlín a Mejor Película, marcando un hito en la competencia, al ser un largometraje animado. Joe Hisaishi de nuevo acompaña con una deliciosa banda sonora que se acomoda con precisión a las aventuras de Chihiro.

LA VEJEZ AL PODER (El castillo errante de Howl, 2004)

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Al igual que la historia de Chihiro, El castillo errante de Howl  tiene una protagonista femenina a quien no la para nadie. Sophie inicia como una chica insegura de 18 años que se convierte en una anciana de 90 años después de que una bruja la maldice. En su búsqueda por regresar a la normalidad, conoce un par de tiernos personajes y a Howl, un joven mago viajero, dueño de un castillo flotante que funciona gracias a la magia de una estrella caída. Una guerra que se está llevando a cabo será el gran obstáculo entre la protagonista y su objetivo pero, también será el motivo por el que ella descubrirá de qué es capaz. Basada en la novela homónima de la inglesa Diana Wynne Jones, esta película desarrolla el tema de la libertad en varias aristas, pues Sophie, si bien tiene que liberarse del hechizo, también debe dejar atrás su ansiedad. La guerra, la violencia y la posibilidad de volar, temas recurrentes en las historias del cineasta japonés, están presentes, pero, de manera más íntima. Es de esas películas de Miyazaki que tienes que ver cuando ya conoces su estilo, comparado por algunos con Fellini en su etapa personal. Es de los productos más taquilleros en la historia cinematográfica de Japón.

NATURALEZA VS INDUSTRIA (La princesa Mononoke, 1997)

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Para proteger a su pueblo, el príncipe guerrero Ashitaka opta por matar a un espíritu del bosque que está maldito, sin embargo, la maldición le cae a él y debe buscar ayuda en las tierras del Oeste. Es así que termina involucrándose en el conflicto entre los dioses del bosque y las personas, mientras conoce a Sen, la princesa espíritu (Mononoke se traduce del japonés como espíritu o monstruo), una humana criada por los dioses del bosque que repudia a los humanos. El tema principal de la cinta es la importancia del medio ambiente, reflejada en la villanización de la industria ambiciosa y egoísta de la Ciudad de Hierro. Miyazaki se inspiró en el género western para crear ese lugar, donde las minorías no son marginadas. Un crítico comparó la animación con la de Disney, haciendo notar que a la película le falta movimiento y dejando claro que no tiene ni idea de cómo es el estilo anime, justamente caracterizado por la superposición del trazo y los colores sobre la fluidez de la animación. Además, hubo desacuerdos con la distribuidora Miramax, que quería editar la película para hacerla más “digerible” para el público norteamericano. Como respuesta, Ghibli le mandó a Miramax una katana con el mensaje “sin cortes”.

LA GUERRA DE LOS MUNDOS FUTURISTAS (Nausicaä del Valle del Viento, 1984)

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La Tierra ha sido destrozada por una guerra mundial y lo poco que ha sobrevivido en el reino animal son insectos gigantes que viven en un bosque contaminado cerca a los humanos. Nausicaä, piloto y guerrera, es la princesa del valle entre dos reinos que están iniciando otra guerra y que quieren erradicar a los insectos y, al ser amante de los animales, se rehúsa a verlos como enemigos, por lo que intentará por convencer al resto de que debajo de la contaminación aún se puede encontrar agua y tierra saludable. Para crear esta película pionera de Studio Ghibli, Miyazaki se inspiró en varias novelas de ciencia ficción —como las de Asimov, Le Guin y Aldiss— y en la leyenda de una princesa japonesa que amaba los insectos. Esta cinta retrata la guerra que, probablemente, tendrán los humanos en un futuro, pues será la única solución que encuentren. El filme sugiere que al medio ambiente hay que conservarlo en su estado natural, por más que no todo sea tierno y agradable a la vista. Nausicaä, la protagonista que busca la paz, y Lady Kushana, la despiadada y astuta antagonista, son personajes femeninos fuertes, algo que luego se haría común en las historias de Miyazaki. En cuanto a la producción, este largometraje fue realizado por animadores a los que se les pagó por fotograma realizado, incluyendo a Hideaki Anno, quien luego sería el director de Neon Genesis Evangelion.

TECNOLOGÍA A FAVOR  DEL MEDIO AMBIENTE (El castillo en el cielo, 1986)

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Descrita como una película perfecta para un público amante de los finales felices, El castillo en el cielo cuenta la historia de Pazu, un niño trabajador de una mina, de Sheeta, una pequeña que cae del cielo con un cristal colgado del cuello, y la búsqueda de ambos por descubrir para qué sirve el cristal que parece llamar la atención de todos, incluyendo piratas y el gobierno. El castillo al que hace referencia el título del largometraje se llama originalmente “Laputa”; sin embargo, por obvias razones (sí, sabemos que tienes una risita nerviosa en este momento), le cambiaron el nombre a “Lapuntu” en toda Hispanoamérica. Por otro lado, es la única película de Miyazaki en la que el villano es maldad pura y no se redime. Contrario a lo que los fatalistas suelen creer, Miyazaki  no postula en este filme de aventura que la tecnología sea la razón del apocalipsis ambiental, sino más bien, defiende que es justamente la bondad de la inteligencia artificial, así como la ausencia de la violencia humana, lo que probablemente salve al planeta. El momento más tuiteado de la historia hasta el 2013 fue cuando transmitieron esta película el 2 de agosto de ese año y los fanáticos tuitearon la palabra “balse” al mismo tiempo, llegando a 143,199 tuits en un segundo. Joe Hisaishi, usual colaborador de Miyazaki (como habrán podido notar), compuso la banda sonora.

MÁS QUE UN DELIVERY (Kiki: Entregas a domicilio, 1989)

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Kiki es una niña de 13 años que debe mudarse para completar su entrenamiento como bruja. Junto con su gato parlante y su escoba mágica, ella tendrá que ingeniárselas para conseguir un hogar y un trabajo, el cual encontrará en una panadería, dando servicio a domicilio gracias a su habilidad para volar. A pesar de aceptar el nuevo reto, ella no puede evitar sentirse sola en su nueva casa. La película relata el proceso de independencia y resistencia de muchos jóvenes. Para Miyazaki, Kiki representa a todas las muchachas —no solamente japonesas, sino de todo el mundo— que descubren que no pueden seguir viviendo en casa de sus padres, aunque tengan comodidades ahí, pues deben demostrarle al resto que pueden triunfar por sí solas. Kiki se descubre vulnerable y debe atravesar obstáculos más grandes de los que cree para así lograr abandonar la niñez, representada en la capacidad de hablar con su gato. Los elementos mágicos complementan y consolidan la historia, pero la temática y la identificación con la protagonista funcionan al margen de la ficción, pues es una película auténtica.

LA POLÉMICA SE LEVANTA (El viento se levanta, 2013)

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Considerada la menos surreal de las películas de Miyazaki, El viento se levanta vino acompañada de la triste noticia de que su director se retiraba y de la polémica alrededor de rendirle tributo a un personaje que fabricaba aviones de guerra. Se generó mucha controversia entre los espectadores occidentales por la posición de Ghibli frente a la Segunda Guerra Mundial, pero aún así fue nominada a Mejor Largometraje Animado en la última entrega de los Oscar, lo que te puede dar una idea de lo buena que es. Este filme narra la vida de Jiro, un soñador que lo único que quiere es volar. Sin embargo, por ser corto de vista, opta por dedicarse a fabricar aviones y, casualmente, le toca construir los del ataque a Pearl Harbor. Él entiende que las máquinas tan bellas que arma son utilizadas para matar personas, pero es una cosa de contexto, ya que los aviones no solo han ocasionado muertes, sino que han acercado y conectado a los habitantes de este planeta. Fue la película japonesa más rentable y más aclamada por la crítica en el 2013.

BONUS (La tumba de las luciérnagas, 1988)

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No podíamos dejar de mencionar este clásico Ghibli, a pesar de no ser dirigida por Miyazaki, sino por Isao Takahata. Este drama cuenta la historia de Seita, un joven japonés, y su hermana menor, Setsuko, y todos los obstáculos por los que tienen que pasar para sobrevivir después de que su ciudad es bombardeada y se quedan huérfanos. En este filme se disfruta todo: la relación de los hermanos, la tierna voz de Setsuko, las expresiones faciales y la delicadeza con la que tratan el tema de la guerra. Muestra lo más puro del ser humano (reflejado en la pequeña) y, al mismo tiempo, lo peor, manifestado en el enemigo bombardero sin cara y el egoísmo de los que nos rodean. De esas películas por las que vale la pena derramar lágrimas.